20年以上前のライブDVDを買った


買ったのは、TM Networkが1994年に一旦終了した際の、ラストライブ2Days@東京ドームのDVDです。VHSでは持っていましたが買い直しました。
当時僕は大学生でしたが、コンピュータのピコピコ感が好きそうな人が多い学部(慶應SFC)だったので、学生が続々と授業を切り上げて参戦していたのを覚えています。勿論僕もその一派で、このライブにこそ行きませんでしたがそもそもメタクソ小室ファンでした。

小室ファンとして特にこのライブが好きなのは(大変逆説的ですが)数々のライブの中で群を抜いてやる気がないからです笑。
そもそもTMの曲はその多くが清々しいくらいに小室本位なので、シンセ奏者が一番美味しくなるように構成されています。サビの直前とか間奏とか、或いは曲によってはサビ自体とか、とにかくここぞ、という時に小室が弾くべき美味しいシンセフレーズが出てきます。その効果で盛り上がる観客席…そういうものを想定しながら彼は曲を作っているはずです。
でも、そこまでして曲を作っておいて、肝心のライブでは弾かないんだこれが笑。その美味しいはずのフレーズを実際に担当するのは大抵アシスタントかシーケンサーの自動演奏で、彼自身はその上に被る即興フレーズ(聴こえないことも多い)を弾いているか、ボイス系のサンプリング音を連打しているかです。
但し当該曲のリリース直後は別です。リリース直後ならその曲にエモーションが乗っているので弾きますが、程なくして飽きてしまうので上記のような状態になりがちです。
でもこれは、ファンとしてはやむを得ないと思うしかありません。使い古された言い方ですが、そのような極度の飽き性と創造性は多くの場合表裏一体だからです。「ライブという場での創造性は制限される」と彼自身何度もインタビューで語っています。でも、僕はミュージシャンではないので詳しくは分かりませんが、そもそもライブにこの意味でのスタジオワーク性を求めることって矛盾な気がします。そのスタジオワークの産物がバリバリにライブ志向なのだから尚更です。つまり敢えて抽象すれば、誰よりも楽しみたいのに構造的に楽しめないのが小室で、彼の恩恵で楽しめるのがウツと木根、ということになりはしないでしょうか(?)。

1994年のライブに話を戻すと、当時TMは絶賛開店休業状態だったので、当然ながらどの曲にもエモーションが乗っていません(当時気合が入っていた対象はtrfとか篠原涼子です)。でもライブとしては空前の規模だし、舞台装置や照明の完成度も高く、何より客席の盛り上がりが尋常ではありません。そしてそうなるように、飽きられないように完成度が高まるように、10年間あらゆる知恵を絞ってきたのは他ならぬ小室です。その成果が目の前にあるのに、ステージ上で唯一彼だけがぜんっぜん楽しそうでないという…^^;メインのシンセフレーズは、最後なので流石に多少は弾いてくれるのですが「小室やる気バロメーター」と言われているショルダーキーボードは1回も使いません。コーラスに至っては歌う気ゼロなのでマイク自体設置されていません。
なんというか、創造性が若干特異な形で発現してしまった人間の矛盾がここまで浮き彫りになっている映像ってなかなかない気がします。ライブ終了後彼は周りが泣いている中「照明が綺麗だったのでずっと見ていた」と感想を語ったそうです。

こういう風に書くと、小室に対し印象を悪くする人もいるかもしれません。でもライブ中、彼が敢えてドラムを担当した曲の時だけは、彼は子どものように破顔していました。そのような子どもの魂に退屈することを強いるのが彼にとっての世界です。これは音楽業界が云々といった卑近なことではなく、もっとずっと根源的な次元の話です。当然、誰が悪い訳でもなく対処法もありません。また、こういうことが創造的な人の全てに当てはまるとは僕も思いません。しかし少なくとも彼のようなタイプの人は、長期間安定しては存在できない元素のように生きるしかないのでしょう。

サンダーボルト


相変わらずいろいろ忙しくさせて頂いていますが、
その合間にガンダムの新作「サンダーボルト」をBlu-rayで観ました。
非常に重い内容の作品なのですが、その重さに負けないくらいの映像の凝り具合が素晴らしいです。

このCMで一部分をご覧頂けますが、手が込んでいるというより、ちょっと鬼気迫ってますよね!
このくらいが丁度良いだろう、という適量を超えてしまっている過剰さというか。
それは前回書いた欅坂の平手さんも同じで(さり気なくステマを織り交ぜる)、
僕は結局そういう過剰さが好きなのかもしれません。

最近はアニメの技術が進歩したとよく言われます。
それは大抵CGのことを指しており、その通りではあるのですが、
それだけではこの何だかよく分からない迫力みたいなものは出ません。
このCMに使われている映像のコア部分は殆ど手描きです。
その上に、長年に渡りノウハウが積み上げられたサンライズの後処理技術(含CG)が乗っかって
このような映像に仕上がっているのですが、
いずれにせよコアが手描きである以上、昔のアニメは何だったんだという話ですよね笑。
その差を生んでいるのは技術の進歩というよりも、作っている人達の情熱だ、
というのが正しい気がします。

そういう情熱、過剰さを発揮できる作品に出会えるというのは制作者としては本当に幸せなことで、
言ってみれば初恋の人と結婚して一生ラブラブ、みたいなことかもしれません。
いや、後者に関してはよく分からんですが、少なくとも前者は自分でどうにかできることですな!

そういう作品に向けて邁進したいと改めて思う今日この頃です。

今更欅坂

最近欅坂46のミュージックビデオを毎日観ています。
いい歳してアイドルかよ!と怒られそうですが、
センターの平手友梨奈さんがあまりに素晴らしいので。

このミュージックビデオ的カメラあしらいの上手さはMADONNAレベルだと思います。
ミュージックビデオのパフォーマンスって、
単に熱演すれば良いというものでもなく付かず離れずみたいな感覚が必要なのですが、
勿論力を抜けば良いということでもなく、とにかく定式化が難しいのですよね。
要するにセンスで決まってしまう部分が殆どなのです。


で、この弱冠15歳の平手さんはそのセンスが神レベルです。
だからこそオーディションにも受かったしセンターにも抜擢されたのだと思いますが、
上の1曲めで本当に凄いポテンシャルの持ち主であることがバレたので、
下の2曲めでは困ったときは全部平手さん、みたいなことになっています。


監督からの惚れ込まれ方が尋常じゃないのですが、まあ気持ちは分かります。
僕でもそういう風に撮り、編集するでしょう。

そして多分、この人は作品の中にしかいないと思います。
演技なんだから当たり前じゃん、と思われるかもしれませんがそうではなく、
その逆で、素を出す為に作品を必要とする人がいるということです。

いや、そういうことはどうでもいい、オッサンのお前が欅坂に入れあげてどうする、
ということを魂の底から指摘したい方もおられるかもしれません。

しかし、その点は問題ないのです。

前回のセルフィーでお分かり頂いたように僕は厨二なので、これは数値に直すと凡そ14歳となります。
欅坂のミュージックビデオは完全に歳相応のコンテンツと言えるのではないでしょうか。
厨二の皆様はとりあえず欅坂46を応援しておきましょう。

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あそれから、何回か前の記事でカメラのコツとして「逆光は勝利」と書きましたが、
上の2曲めは典型的にそれですね!
床に映った影を見ても、全編所謂逆光であることが分かります。

今更EXILE

EXILEのアルバムを買ってしまいました。
40過ぎのオッサンがこんなCDに手を出すと何かの条例に引っかかるんじゃないかと心配でしたが、
今のところ逮捕されたりはしていません。
いやだって、前から気になってはいたのですがこのPVどう考えてもクレイジー(褒め言葉)ですよね。


1曲のプロモーションとしては、余計なお世話ながらペイするのか心配になるくらいの規模で、
それを折り込み済みだとしても、もっと長期的な計画の中で最終的にペイするとかナントカだとしても、
いずれにせよこれをやっている時点でクレイジー(褒め言葉)です。

僕はこの日記でもたまにネタにしているように頭が良過ぎる方々が好きなのですが、
頭が良過ぎるというのは言い方を変えればクレイジーな訳で、
結局のところクレイジーな人が好きなのかもしれません。

しかも、こういう壮大なことを破綻なくやる為には、
ディテールに於いては高いレベルで常識的である必要があります
(例えばダンサー全員にモチベーションを与え、振り付けて、衣装を着せて定刻に集合させるとか)。
そういう常識とクレイジーさの混在がとても魅力的ですが、
youtubeだと低画質で折角の作品がよく見られないので、
これのBlu-rayが付いているアルバムを買った次第
(勿論他にも素晴らしい作品が沢山入っています)。

この大集団の先頭で、
大集団を見ずに踊っているHIRO氏がプロデュースしている訳ですが、
仕事のあり方としては理想的ですね。
僕は彼と年齢も近いし、違うのは顔と身長とスタイルとダンス能力と人気度と年収くらいで、
事実上殆ど違いはないと思います。
という訳で今後もHIRO氏と殆ど同じ感じで頑張っていこうと思います。よろしくお願いいたします。

今更「ジュラシック・パーク」

仕事の合間によく、amazonプライムのビデオを観ています。
前回書いた「バトロワ」もそうですが、
敢えて今更観ないような古い、或いは食わず嫌いしている映画も、
見放題なら挑戦してみる気になるというか。

それで「ジュラシック・パーク」を公開当時(1993年)以来久々に再見したのですが、
今更ながらスピルバーグが天才過ぎて驚きました。


公開当時は恐竜のCGが話題になりましたが、さすがに技術面では最近の映画に敵いません。
最近の映画が1カットに100のCG技術を投入しているとすると、
ジュラシック・パークは感覚的には、映画全体でそれと同じくらいです。
でも、予想できる100が最後まで続くのと、
予想外で新鮮な1がまず出てきて、次に2が出てきて、
じゃあその次は3かと思いきや10になって更に驚かされるのとでは、
受ける印象が比較にならないくらい違います。

以上はCGの使い方についての話ですが、
そういう監督なら当然それ以外の要素の使い方も上手いので、
それやこれやで「ジュラシック・パーク」は名作になっています。


例えばこのシーンに出てくる恐竜はCGですらなくアニマトロニクスです。
なにせCGは全部で100しか使えないので、CGが絡まないシーンのほうが多いのです
(もっとも当時は100使えるだけでも画期的だったのですが)。
アニマトロニクスは簡単にいえば台座の上に設置されたロボットなので、歩けません。
そんな致命的とも言える制約の中で、特に妥協した雰囲気もなく、
最近の大抵のCG映画よりも緊張感溢れるシーンを作れる人は、
なんだかんだスピルバーグ以外にはあまりいないのです。

以上から簡単に導ける教訓は、
CG予算がないのを言い訳にするのはナシよ、ということですね(笑)。
それを言い訳にせず良い仕事をすれば程なくして予算も付くので、
いつまでも同じレベルの苦労を強いられることはあまりないのですが、
まあとにかく根本的にはそういうことだな、と改めて思います。

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ちなみに、スピルバーグが更に一層の悪条件にも関わらず、
言い訳せずに撮った出世作「激突!」についても以前書きました